Les meilleurs films Streaming de 2019 De la folie nautique en noir et blanc à Brad Pitt dans l’espace, c’est le plus grand cinéma de l’année.

admindécembre 5, 2019

L’année cinématographique a été généreuse, et ce mois de novembre pourrait bien être le mois le plus gratifiant à ce jour, grâce à l’arrivée de deux films incroyables qui se démarquent : L’épopée mafieuse de Martin Scorsese The Irishman, qui réunit le réalisateur avec Robert De Niro et Joe Pesci (avec Al Pacino). Il y a le drame sur le divorce de Noah Baumbach, Marriage Story, dirigé par Adam Driver et Scarlett Johansson. Ajoutez à cela l’arrivée de l’excellent Pain and Glory de Pedro Almodóvar et vous obtenez un trio de nouveautés à ne pas manquer. Il y a d’autres bonnes choses sur le chemin avant que le calendrier ne se tourne vers 2020 (y compris une performance digne d’un Oscar de…Adam Sandler ?!). Mais pour l’instant, ce sont nos choix pour les meilleurs films de 2019.

45. Avengers endgame 
caduque
Merveille
Avec Avengers, Marvel garde le meilleur pour la fin – du moins dans cette phase de son univers cinématographique tentaculaire : Endgame, le point culminant de sa série de films interconnectés depuis plus de dix ans, qui offre non seulement des rebondissements surprenants et un spectacle de super-héros électriques, mais aussi des chances routinières pour que ses illustres acteurs agissent réellement. Aidée par Joe et Anthony Russo avec le même savoir-faire en jonglerie à plusieurs brins qu’ils ont apporté à leurs précédents épisodes de franchise, cette nouvelle saga trouve les Héros les plus puissants de la Terre en train d’essayer de défaire le « Snapture » de Josh Brolin, le grand méchant Thanos. Discuter des détails de l’intrigue serait gâcher une partie du plaisir, bien que l’on puisse dire sans risque de se tromper que ses plus grands coups de pied viennent de ses hochements de tête autoréférentiels de fan-service, de sa capacité à embellir chaque moment merveilleux avec un humour propre au personnage et de sa conclusion cohésive satisfaisante. Il s’agit d’une œuvre cinématographique de qualité supérieure, en grande partie grâce aux performances des stars Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Chris Evans, Scarlett Johansson et Mark Ruffalo dans un jeu A.

44. Greta
portrait
Caractéristiques de la mise au point
La gentillesse des étrangers est exploitée à des fins démentielles dans Greta, le thriller ludique de Neil Jordan sur les problèmes qui arrivent à la jeune Frances (Chloë Grace Moretz) après qu’elle ait trouvé un portefeuille dans un métro de New York et l’ait rendu à sa propriétaire, la Greta seule (Isabelle Huppert). Grâce à cet acte humain, Frances – pleurant la mort de sa mère bien-aimée et s’adaptant à son nouvel environnement de Manhattan avec l’aide de sa riche colocataire (Maika Monroe) – se fait une mère porteuse. Leur amitié, cependant, est finalement révélée pour être prédit sur un mensonge qui rend la procédure cockeyed. Jordan dentelle le film avec des courants érotiques mais refuse d’embellir indûment son matériel, se contentant au contraire de le maintenir sur un terrain stable même s’il devient de plus en plus bouclé. C’est Huppert qui élève vraiment cette histoire d’obsession maternelle tordue, sa Greta un prédateur rusé qui utilise la sophistication et la tristesse solitaire pour masquer des désirs plus sournois. Triste, élégante et extrêmement décontenancée, c’est une harceleuse dont il faut se souvenir.

43. toys story 4

Woody (Tom Hanks), Buzz Lightyear (Tim Allen) et le reste des jouets animés de Pixar sont de retour dans Toy Story 4, et bien que leur engagement de retour ne soit peut-être pas entièrement nécessaire – compte tenu de la franchise idéale de 2011 Toy Story 3 – il s’agit d’une saga charmante, drôle et faussement lourde sur l’indépendance, le but et la loyauté envers ses deux proches et, tout aussi important, envers soi. Aujourd’hui la propriété de Bonnie, une fille de la maternelle, qui ne veut plus jouer avec lui, Woody trouve un sens à sa vie en protégeant son tout dernier jouet : Forky (Tony Hale), une fille bizarre de fortune fabriquée à partir de déchets. L’odyssée qui s’ensuit conduit Woody à Bo Peep (Annie Potts), qui profite de sa liberté en tant que « jouet perdu ». Le réalisateur Josh Cooley et les scénaristes Andrew Stanton et Stephany Folsom poivrer leur matériel avec le barrage habituel de blagues vives, et la voix – y compris Keegan-Michael Key et Jordan Peele comme un lapin et canard conjoint – est, comme toujours, de première qualité. De plus, Keanu Reeves vole toutes les scènes dans lesquelles il joue le rôle de Duke Caboom, le plus grand casse-cou à moto canadien à avoir jamais vu le grand écran.

42. L’art de l’autodéfense

La masculinité se fait tabasser dans L’Art de l’auto-défense de Riley Stearns, une satire cinglante sur les variations fragiles et toxiques de la virilité moderne. Après avoir failli mourir d’un assaut de motocyclistes casqués, Casey (Jesse Eisenberg), un mauviette, trouve le pouvoir au dojo de karaté de Sensei (Alessandro Nivola), un gourou des arts martiaux qui l’aide à devenir celui qu’il craint le plus. Le scénario de Stearns est défini par des conversations maladroites et des rebondissements absurdes, et son approche drolatique de son matériel génère un humour noir considérable. Alors qu’il se dévoue de plus en plus au dojo, Casey est entraîné plus profondément dans un espace démentiel marqué par l’homoérotisme, le sexisme et la criminalité sournoise. Ce qu’il apprend, en fin de compte, c’est que la violence a le pouvoir de transformer et de corrompre – une leçon qu’Eisenberg apporte à la vie d’une manière amusante et farfelue grâce à une performance dans laquelle la colère et le ressentiment de Casey face à sa propre impuissance sont juste sous sa surface placide, prêt à éclater en un clin d’oeil dans une vague de coups de pieds et de poings.

41. Son odeur
portrait
Donald Stahl
Elisabeth Moss met en scène son émeute dans Her Smell, une performance d’égoïsme et d’autodestruction qui galvanise le film d’Alex Ross Perry, un véritable tour-de-force. Au milieu des années 90, du type Courtney Love qui réside au centre d’une tornade de sa propre fabrication, Becky Something de Moss ne laisse que le chaos dans son sillage, au grand dam de ses camarades de groupe (Agyness Deyn et Gayle Rankin), ex (Dan Stevens), jeune fille (Daisy Pugh-Weiss), mère (Virginia Madsen), collaboratrice/rival (Amber Heard, Cara Delevingne) et manager héroïque loyal (Eric Stoltz). Divisé en cinq chapitres entrelacés avec des vidéos de retour en arrière d’époques plus heureuses, le récit de Perry retrace le parcours de Becky, de l’effondrement apocalyptique drogué à la résurrection prudente, son appareil photo portatif étant exactement adapté à l’espace de tête dispersé de son protagoniste. Il y a un frisson par procuration à regarder cette spirale de rocker s’enfoncer dans l’abîme, et puis se retirer en arrière. Alors que Moss ne se retient pas de dépeindre la laideur de Becky, elle puise dans la douleur et la vulnérabilité sous-jacentes qui alimentent son cœur de feu, avec une interprétation déchirante au piano d’une seule reprise de « Heaven » de Bryan Adams.

40. Les morts ne meurent pas

Jim Jarmusch crée une comédie de proportions apocalyptiques avec The Dead Don’t Die, a Night of the Living Dead, une comédie de morts-vivants jouée pour une sombre satire. Dans la « belle » ville de Centerville, le chef Cliff (Bill Murray) et l’officier Ronnie (Adam Driver) sont forcés de faire face à une épidémie de zombies causée par… eh bien, c’est peut-être la fracture polaire qui a fait chuter la Terre, ou la folie de type MAGA colportée par Frank (Steve Buscemi), ou simplement du bon vieux matériel américain. « Cela ne va pas bien se terminer », prévient Ronnie à intervalles réguliers, ce qu’il sait parce qu’il a lu le scénario de Jarmusch – juste un des nombreux cas où le film s’adonne à une autoréférence loufoque. Une distribution stellaire qui comprend également Chloë Sevigny, Larry Fessenden, Danny Glover, Selena Gomez et Tom Waits (ressemblant à un rejet de Cats) passent par leurs mouvements de fin du monde avec confusion et panique (ils sont à peine animés eux-mêmes). Pendant ce temps, Jarmusch met en scène des scènes d’horreur avec une bonne humeur haussée d’un air haussant les épaules qui démentent cette critique de danger mijotant d’un monde allant, peut-être à juste titre, en enfer.

39. Couleur rapide

« Si quelque chose est cassé, il reste cassé « , explique Bo (Lorraine Toussaint) au début de Fast Color, qui montre ensuite que les choses – et les gens – peuvent être réparées grâce au pouvoir de la famille, de l’amour et du lien avec le passé. Le long métrage de deuxième année de la réalisatrice Julia Hart (co-écrit avec Jordan Horowitz) est une saga de super-héros non conventionnelle sur Ruth (Gugu Mbatha-Raw), qui dans un avenir proche, décimée par le manque de pluie, fuit l’agent gouvernemental Bill (Christopher Denham) en essayant de contrôler ses extraordinaires capacités, qui se manifestent sous la forme de crises sismiques. Le vol de Ruth l’emmène chez sa mère Bo (Lorraine Toussaint) et sa fille Lila (Saniyya Sidney), qui ont toutes deux la capacité d’utiliser une énergie constructive/déconstructive de couleur virevoltante. La volatilité de la jeunesse et la vitalité de la parenté (avec des parents actuels et anciens) servent de solides courants thématiques sous-jacents pour ce conte de genre discret. Bien plus discret que ses frères d’été, c’est une vitrine pour les visuels vibrants de Hart et la performance sincère de Mbatha-Raw en tant que femme qui trouve sa force non pas dans l’indépendance, mais plutôt dans les liens du sang.

38. Peau

Jamie Bell interprète sa carrière de Bryon « Babs » Widner, un néo-nazi au visage tatoué qui rivalise avec la voie du pouvoir blanc qu’il a choisie, dans le récit du réalisateur Guy Nattiv, lauréat d’un Oscar, sur les origines de la haine – et les moyens potentiels de la faire reculer. Endoctriné dès son plus jeune âge par les chefs de gang de sa mère porteuse (Bill Camp et Vera Farmiga), Widner prêche la xénophobie et la division jusqu’à ce qu’il rencontre Julie (Danielle Macdonald), mère monoparentale. Son amour et la promesse d’une famille en meilleure santé l’obligent à reconsidérer ses choix de vie. Portrait de la dureté de la transformation et de la rédemption, Skin partage des liens directs et troublants avec notre moment géopolitique actuel. Il s’agit d’un micro examen d’une macro-crise, que l’incarnation de l’intolérance de Bell a rendue fascinante par ses vertus et ses faiblesses – une éthique savante enracinée dans la colère, l’insécurité et l’isolement, et que l’on ne peut corriger (si elle existe) que par une combinaison de douleur et de sacrifice.

37. Dolemite est mon nom

Eddie Murphy retrouve son mojo de superstar dans Dolemite is My Name, un biopic rauque façonné dans un moule Ed Wood and The Disaster Artist (des auteurs du premier) à propos de Rudy Ray Moore, un artiste de divertissement clownesque en herbe qui a fait grand bruit en jouant le Dolemite qui rime, se bat au kung-fu et se bat avec des femmes. Cela fait des décennies que Murphy n’a pas été aussi énergisé, son sourire géant et son discours audacieux rehaussant cet effort de Craig Brewer (Hustle & Flow), qui retrace la création transformatrice de Moore de son célèbre alter ego, ainsi que de la famille des amis et collaborateurs qui lui ont permis de réaliser ses rêves sur scène et sur écran. Paré d’une variété de costumes colorés et élégants (remplis de chapeaux assortis), et maniant une canne qui l’aide à se pavaner, Murphy transforme l’histoire de Moore en sa propre déclaration déclarative de bravade comique sans pareille – et il a besoin de chaque once de ce charisme pour garder l’attention sur lui, parce que, comme le directeur/co-star de Moore, un Wesley Snipes à l’œil d’insectes et de manière flamboyante le vole presque à son film.

36. Les tigres n’ont pas peur

Avec Tigers Are Not Afraid, l’auteur-réalisateur Issa López évoque un conte de fées moderne enraciné dans des traumatismes à la fois personnels et politiques. Dans une ville mexicaine transformée en ville fantôme par de violents gangs de trafiquants de drogue, la jeune Estrella (Paola Lara) conclut une alliance épineuse avec un groupe de garçons orphelins – dirigé par Shine (Juan Ramón López) – après que sa mère ait disparu. Convaincue que les trois craies qu’elle a reçues de son professeur lui permettent d’exaucer ses vœux magiques, Estrella tente de survivre à sa nouvelle situation déchirante dans la rue, qui est encore compliquée par deux voyous adultes désireux de récupérer leurs biens volés à Shine. En termes de Grimms fantastiques (avec un soupçon de Guillermo Del Toro), le trait allégorique de López n’a pas peur des réalités brutales de son scénario, souvent à l’effet déchirant du cœur. Il jette un sort par le biais d’images d’horreur malveillante et de son portrait émouvant d’enfants qui se regroupent pour former un clan de fortune – et, ce faisant, fait face courageusement à un monde déterminé à les détruire, physiquement et psychiquement, à chaque tournant.

35. Une coupe des morts

Le classique culte de Shin’ichirô Ueda est un couple qui se défend contre la peste zombie. Jusqu’à ce qu’il se révèle être l’histoire d’une équipe de cinéastes réalisant un film d’horreur immortel. Et puis, ça devient une histoire sur la façon dont ces artistes sont en fait envahis par une véritable menace zombie. Ce qui, croyez-le ou non, n’est pas le dernier rebondissement de One Cut of the Dead, une comédie enlevante qui garde le spectateur sur ses gardes en lui révélant constamment de nouvelles couches de réalité. Le film débute par une bravoure de 37 minutes de prise de vue en solo qui retrace les tentatives de ses personnages de naviguer dans leur monstrueuse épreuve – tout cela alors que leur réalisateur, Higurashi (Takayuki Hamatsu), continue de tourner en rond – et livre finalement une métabombe qui reconfigure totalement leur conception de l’action à l’écran. Plus important encore, cette révélation repositionne l’attention du matériel sur l’art de faire du cinéma lui-même et sur les innombrables maux de tête – causés par des acteurs capricieux, des contraintes budgétaires et des retards et obstacles imprévus – qui sont communs au processus. Vois ça comme un jour de la nuit macabre.

34. American Factory

L’évolution rapide du paysage manufacturier mondial est examinée à travers l’optique d’une usine de verre automobile de l’Ohio fondée par les Chinois et dotée d’hommes et de femmes des deux pays dans une usine américaine. La première sortie de l’accord de production des Obama avec Netflix, Julia Reichert et Steve Bognar, le documentaire révélateur de Julia Reichert et Steve Bognar, commence sur un bon pied, alors que les travailleurs américains et chinois montrent un enthousiasme égal pour cette nouvelle entreprise, qui promet d’apporter des opportunités (et, espérons-le, la prospérité) à une communauté durement éprouvée par la fermeture d’une usine GM antérieure. Diverses questions liées au choc des cultures compliquent cependant rapidement les chances de succès de l’entreprise, ce qui conduit à l’élaboration d’un plan d’action.

33. L’inhumation de Kojo

Le premier long métrage de Blitz Bazawule est une fable envoûtante sur une jeune Ghanéenne nommée Esi (Cynthia Dankwa) dont le père Kojo (Joseph Otsiman) est convaincu par son frère Kwabena (Kobina Amissah-Sam) de déplacer leur famille d’un village sur pilotis au milieu du lac vers la grande ville, où une prospérité économique supposée les attend. Comme en témoigne la rencontre d’Esi avec un vieil aveugle – qui dit qu’il vient d’un purgatoire renversé et lui dit de protéger un oiseau d’un corbeau maléfique – et le feuilleton d’Esi sur la rivalité entre sa grand-mère (Joyce Anima Misa Amoah), The Burial of Kojo est une histoire de réunion, perte et réconciliation qui se situe entre la réalité et le fantastique. L’imagerie au ralenti de Bazawule est hypnotisante, mise en valeur par la vue inversée d’Esi poursuivie par un corbeau humanoïde monté sur un cheval, et un plan de fermeture d’un homme avec un stand de IV rencontrant un amour perdu depuis longtemps au milieu des ruines architecturales. Il y a de la poésie poignante dans ce conte de fées envoûtant, mais aussi de la magie.

32. Il Chapitre Deux

Aujourd’hui joué par des adultes comme James McAvoy, Jessica Chastain et Bill Hader, The Losers Club retourne à Derry, dans le Maine, pour affronter une fois de plus un mal indicible dans It : Chapitre 2, Andres Muschietti’s tentaculaire, pièce d’accompagnement à son blockbuster de 2017, qui s’inspire de son personnage. Comme auparavant, la malveillance de cette enclave est incarnée par Pennywise the Dancing Clown (Bill Skarsgård), un cirque impie des égouts qui se régale de peur et dont la soif de vengeance anime les plus belles pièces du film, dont un spectacle dans un hall des glaces. La suite de Muschietti se concentre sur les efforts de ses protagonistes pour vaincre les angoisses, les doutes et les regrets qui, après l’épreuve de leur enfance, ont fini par les définir. En passant d’une période à l’autre, il s’agit d’une étude fantasque de l’emprise du passé sur le présent, des moyens vitaux – et souvent corrosifs – par lesquels les souvenirs affectent notre vision du monde et notre sens de soi, et d’une ode touchante à la puissance de la solidarité. Jumelée à son prédécesseur, c’est l’une des plus belles adaptations de Stephen King.

31. Le Grand Pirate

Cambridge Analytica a volé les données de 87 millions d’utilisateurs de Facebook et les a ensuite utilisées pour cibler les électeurs avec de la propagande politique au nom de clients comme Brexit et la campagne Trump 2016. Et pourtant, d’une manière ou d’une autre, cette entreprise infâme n’est même pas le joueur le plus vil de The Great Hack, puisque cela va à Facebook, qui non seulement a collaboré avec Cambridge Analytica (et ne l’a pas contrôlé), mais s’est aussi permis de devenir la plateforme prééminente pour des opérations de désinformation à grande échelle, qui sapent la démocratie. Avec dynamisme et exhaustivité, le documentaire exaspérant de Karim Amer et Jehane Noujaim détaille le scandale de Cambridge Analytica à travers le travail de reporters et de whisteblowers désireux d’exposer la fonction de l’entreprise comme outil des extrémistes de droite en Amérique et à l’étranger. Ce faisant, il révèle un nouvel ordre mondial numérique terrifiant où les données sont le bien le plus précieux, ainsi que la clé d’une guerre psychologique d’une ampleur jamais vue jusqu’ici. C’est le film d’horreur de l’année.

30. Plus un

Les mariages peuvent être un véritable supplice pour les célibataires, si bien que les amis de longue date Alice (Maya Erskine) et Ben (Jack Quaid) décident de passer leur saison de noces surbookée en tant que rendez-vous platonic. La comédie romantique de Jeff Chan et Andrew Rhymer est, selon la formule, vouée à faire découvrir à ses protagonistes apparemment opposés leur attirance l’un pour l’autre, mais la prévisibilité n’a aucune importance quand l’action amoureuse est aussi drôle et charmante que dans cette indie pleine d’humour. Que ce soit en trébuchant d’une cérémonie et d’une fête à l’autre, ou en s’engageant dans une relation improbable avec leurs parents, Alice et Ben se révèlent être une excellente compagnie, elle utilise l’alcool et une langue bien pendue pour faire face à sa solitude, et il s’attache à des normes élevées pour éviter tout engagement et éviter un abandon potentiel. Erskine, en particulier, est une révélation – une émeute charismatique et désinhibée, elle semble destinée à la liste A d’Hollywood.

29. Ramper

En tant que méchant, et un peu plus maigre, que ses animaux voraces, Crawl est un exemple de fabrication de films de série B bien faite. Lors d’un ouragan apocalyptique en Floride, Haley (Kaya Scodelario), nageuse collégiale talentueuse mais en difficulté, part à la recherche de son père disparu Dave (Barry Pepper), qu’elle trouve dans le sous-sol de leur ancienne maison, blessé et piégé par une bande d’alligators. Leur cadre confiné est un véritable labyrinthe qui, à l’image des communautés dévastées par la tempête, comme l’imagerie de CGI, le réalisateur Alexandre Aja s’imprègne d’un lourd fardeau allégorique sous-jacent. Cela ne fait que renforcer sa narration pleine de suspense, caractérisée par de formidables pièces de théâtre – des courses aquatiques périlleuses et périlleuses contre la bête sauvage et des combats acharnés avec elle.

28. Ad Astra

Pour tous ses échos lyriques de 2001, Apocalypse Now et The Tree of Life, Ad Astra de James Gray est une vision particulière du grand abîme qui se trouve au-delà de notre planète, ainsi qu’une enquête émouvante sur le désir de communion de l’homme. Dans un proche avenir, le Major Roy McBride (Brad Pitt) est envoyé en mission top-secrète à Neptune, où ses commandants croient que son célèbre père Clifford (Tommy Lee Jones) – disparu depuis des décennies en quête d’une vie E.T. intelligente – est vivant, et provoque des pulsations intergalactiques qui menacent la Terre. Sa quête est entachée d’un danger littéral, mais aussi d’un péril émotionnel, psychologique et spirituel, alors que Roy cherche dans le ciel le père indifférent qui l’a abandonné. Animé par Pitt avec une source de douleur, de nostalgie et d’espoir, Roy est un homme dont le pouls régulier est emblématique de son éloignement douloureux, entouré d’un mur. Dirigée par sa propre narration intérieure, la saga de Roy est à la fois impressionnante et poignante, intime et majestueuse.

27. Dites-moi qui je suis

Si nos souvenirs ne sont pas vraiment les nôtres, comment savoir qui nous sommes ? Telle était la profonde crise existentielle que vivait Alex Lewis, 18 ans, lorsqu’en 1982, il a été blessé dans un accident de voiture, est tombé dans le coma et s’est réveillé en constatant qu’il ne reconnaissait personne à part son frère jumeau Marcus. Marcus a ainsi eu l’occasion de reconstruire son frère et sa sœur avec des histoires sur leur passé – dont certaines ont omis des événements cruciaux de leur horrible enfance. Avec une empathie aiguë et une éloquence formelle, le réalisateur Ed Perkins examine cette histoire choquante du point de vue des deux frères, dont le lien a été forgé par l’amour et la confiance, et déchiré par la tromperie et la trahison. Il en ressort une histoire complexe sur la vérité, le mensonge et le silence, dont la dernière est la véritable force du mal dans la vie d’Alex et de Marcus – cacher les horreurs commises contre eux quand ils étaient enfants et les déchirer quand ils étaient adultes, au moins jusqu’à ce que le documentaire de Perkins présente un face à face rempli de rancœur, de regret et de compréhension.

26. Le dernier homme noir à San Francisco

L’histoire de deux amis qui, comme leur ville natale, sont dans un état de transition difficile, The Last Black Man in San Francisco offre des surprises narratives et esthétiques à chaque coin de rue. Pour le skateboard Jimmie (Jimmie Fails), rien ne serait plus beau que de reconquérir sa résidence d’enfance, un magnifique Victorien du quartier de Fillmore qu’il proclame fièrement avoir été construit par son grand-père. Mont (Jonathan Majors), un ami dramaturge en herbe maladroit de Jimmie, poursuit son projet d’emménager dans la demeure une fois que les locataires actuels auront été forcés de partir (à cause d’une dispute successorale) – un acte d’accroupissement qui sert aussi de tentative de récupérer un passé cher à l’autre. Dans son premier long métrage, le réalisateur Joe Talbot raconte l’histoire de Jimmie et Mont avec des amis d’enfance et des parents éloignés dont la présence ou l’absence témoigne des tensions sous-jacentes de l’histoire : désaffection culturelle, raciale et familiale, identité troublée et désir de rentrer au pays. Avec une touche lyrique qui tonifie son action souventroll, Talbot rend un hommage doux-amer à San Francisco et à la magie de la vraie amitié.

25. La Montagne

Cauchemar hallucinatoire de solitude, d’aliénation et de désir œdipien, The Mountain de Rick Alverson se pare des nuances de Stanley Kubrick et Yorgos Lanthimos alors même qu’il se forge sa propre identité particulière et profonde. Libéré de la compagnie de son père instructeur de patinage à distance (Udo Kier), le misérable Andy (Tye Sheridan) – désespéré de renouer avec sa mère institutionnalisée – part en voyage avec le Dr Wallace Fiennes (Jeff Goldblum), qui veut qu’Andy photographie les patients psychiatriques qu’il traite avec son électrochock-et-lotomy procédures uniques. Leur expédition, qui se déroule dans les années 1950, est marquée par la désintégration et l’aspiration à l’évasion et à la délivrance, et mène finalement à la maison d’un guérisseur français (Denis Levant) qui veut que Fiennes exécute sa technique sur sa fille Susan (Hannah Gross), avec qui Andy développe une relation par coupure de connexion. Aidé par les virages stoïques et expressifs de ses rôles principaux, Alverson dramatise cette folie hors du commun par des compositions de personnages piégés dans des espaces architecturaux étroits et confinés, placés dans des tons sonores inquiétants et des vents soufflant à toute allure. Dans ce paysage surréaliste, l’humour et l’horreur sont presque indiscernables, incarnés par l’exceptionnelle danse des dérangés du Levant.

24. Haute Vie
portrait
A24
Fertilité et désolation, création et destruction, création et destruction, isolement et convivialité se mêlent de manière hypnotique dans High Life, la rêverie scientifique de Claire Denis. Dû, spirituellement sinon narrativement, à Solaris d’Andrei Tarkovsky, l’histoire de Denis concerne un vaisseau spatial sur lequel un médecin (Juliette Binoche) tente de concevoir avec succès des enfants par des expériences avec des condamnés – dont Monte (Robert Pattinson), qui s’est occupé seul d’un enfant, dans ce qui est bientôt exposé comme un flash – alors que tous s’élancent en courant vers un trou noir dont ils veulent exploiter l’énergie. Les espaces stériles abondent, et l’auteur française insuffle à son matériau un sentiment de vide inquiétant, né de désirs – de desseins, de conceptions et de réinventions – qui restent insatisfaits. Aucune réponse claire et nette n’attend ceux qui parviendront à la fin de ce voyage séduisant, seulement une ambiance d’ennui énigmatique, d’éclats de violence sexualisée et de faim (cette dernière provenant de la visite bouleversante de Binoche dans une pièce appelée « f–k box »), d’un tournant Pattinson super prudent et d’un final optimiste et prudemment prudent.

23. Le bord de la démocratie

Une vision du passé récent du Brésil qui résonne comme un avertissement effrayant et déchirant pour le reste du monde d’aujourd’hui – y compris Trumpian America – The Edge of Democracy raconte le bouleversement politique qui a conduit à la destitution du président élu Dilma Rousseff, l’emprisonnement (pour corruption) du président Luiz Inácio Lula da Silva et la montée du nouveau président Jair Bolsonaro et son administration de droite. Le documentaire de Petra Costa sur Netflix, d’une actualité bouleversante et d’une actualité consternante, présente un pays déchiré par les divisions entre les citoyens en faveur du maintien du cap démocratique de trente ans et ceux désireux de reprendre le chemin de l’extrémisme dictatorial. Le lien de Costa avec l’histoire bifurquée de son pays natal (par l’intermédiaire de ses parents révolutionnaires et de ses riches grands-parents) rend encore plus urgente son enquête sur cette période tumultueuse de désintégration, au cours de laquelle la cupidité et le pouvoir des entreprises se révèlent plus influents que l’État de droit – ou la volonté du peuple. Les seuls qui ne verront pas cela comme une mise en garde sont ceux qui refusent de regarder.

22. John Wick : Chapitre 3 – Parabellum

John Wick envoie ses adversaires dans un combat effréné à coups de couteau, à cheval dans les rues de New York et avec un livre de bibliothèque ( !) dans le dernier tour de piste de Chad Stahelski – et tout cela arrive dans les vingt premières minutes. Aucune franchise ne dispense une violence aussi follement chorégraphiée que celle de John Wick, dans laquelle la sauvagerie s’exerce à la fois avec une force combative et une grâce digne d’une danseuse. Dans Parabellum, Wick fait équipe avec Laurence Fishburne, Ian McShane et Halle Berry (et ses deux bergers allemands à l’entrejambe) afin d’éviter la mort aux mains des assassins du monde, qui cherchent tous une prime sur sa tête. Améliorant le chapitre 2, le réalisateur Stahelski met en scène ses décors comme des exercices de physicalité vicieuse. Malgré tout, Keanu Reeves prend une pose fringante dans le rôle de Wick, de plus en plus harcelé (et ensanglanté), de ses costumes de couturier et de son allure d’expert dans une série qui continue, comme Reeves lui-même, à s’améliorer avec le temps.

21. Oiseaux de passage

La modernité capitaliste, qui prend la forme du commerce de la marijuana, corrompt une culture colombienne locale dans Birds of Passage, un drame criminel d’une grande richesse ethnographique tiré de Embrace of the Serpent réalisateur Ciro Guerra. Le film de Guerra (co-réalisé par sa femme et sa partenaire de production Cristina Gallego) raconte la désintégration d’une communauté Wayuuu grâce à l’esprit d’entreprise de Rapayet (José Acosta), qui épouse la fille d’Ursula (Carmiña Martinez) et transforme la vie de tous en faisant passer de l’herbe obtenue de sa famille. La tension entre tradition et progrès est presque aussi enseignée que celle entre miséricorde et brutalité, car la montée en puissance du clan dans le domaine de la drogue a un coût catastrophique. Guerra et Gallego interposent leur histoire vraie avec une rêverie enveloppante et capturent les manières insidieuses dont l’avidité se répand comme un poison, coupant les gens de leur héritage, de leur moralité, et finalement, de leurs êtres chers et d’eux-mêmes.

20. Ombre
portrait
Well Go USA
Comme en témoigne son Héros et sa Maison des Poignards Volants, Zhang Yimou n’est pas étranger à l’action éblouissante des arts martiaux. Pourtant, l’Ombre est une merveille esthétique, trempée dans des teintes gris cendré et brandissant une cinématographie serpentine pour enrichir son récit sur l’ombre d’un commandant militaire (Deng Chao) – c’est-à-dire double – qui, sans tomber amoureux de la femme de son supérieur (Sun Li), tente de provoquer une guerre avec un royaume rival contre la volonté du roi (Zheng Kai) qui s’est lui-même dévoué pour ses intérêts. Le symbole du yin-yang, symbole incarné par de nombreuses batailles, symbolise les dualités (masculin et féminin, clair et foncé, réel et imitation, mortel et fantomatique) qui sont omniprésentes. La romance et l’intrigue de la cour font également partie de cet époustouflant ensemble, mais bien plus exaltante que l’histoire d’archives est le combat de wuxia chorégraphié avec précision par le réalisateur, mis en évidence par le plan au ralenti signé Zhang – dans lequel sa caméra suit derrière une lame de chasseur en fuite, qui gratte le sol pour projeter l’eau dans les airs – et souvent réalisé avec les plus gros parasols jamais tournés en film.

19. Le frêne est blanc le plus pur
portrait
Cohen Media Group
L’amour est fracturé et le passé est déchiré dans Ash is Purest White, une autre saga remarquable de l’auteur chinois Jia Zhang-ke sur des individus essayant de tracer une route à travers une nation en développement rapide. Utilisant des rapports d’aspect expansifs pour dénoter différentes périodes et embellissant son action avec des chansons pop (y compris le thème de « The Killer » de John Woo), Jia dramatise la romance entre le gangster Bin (Liao Fan) et sa petite amie Qiao (la femme de Jia et sa favorite, Zhao Tao), qui prend fin brusquement après son emprisonnement pour avoir utilisé une arme pour sauver son beau pendant une attaque. Dès sa sortie, Qiao s’efforce de s’acclimater à un monde en voie de modernisation qui ne se soucie pas des dommages collatéraux laissés dans le sillage des événements. Des jeunes qui cherchent à prendre la position de Bin, à travailler le long des Trois Gorges (qui finiront par submerger les villes), des changements s’annoncent. Divisée en trois sections, c’est une vision épique du sacrifice et de la ténacité à une époque tumultueuse, menée par l’imposante performance de Zhao en tant que femme dont l’ingéniosité astucieuse s’accompagne de dévouement.

18. Diane
portrait
IFC Films
Diane (Mary Kay Place) est toujours à l’affût des autres, qu’il s’agisse de ses bons amis, de ses parents âgés ou de son fils Brian (Jake Lacy), qui ne peut pas contrôler sa dépendance à la drogue. Diane de Kent Jones est une étude de personnage de cette femme solitaire du Massachusetts, remplie de détails révélateurs et de moments d’observation vive qui parlent de son altruisme chrétien, de son amour dur et des secrets qui continuent de la tourmenter (et peut-être de la pousser). La révélation, la résurrection, l’abandon et le deuil sont autant de facteurs dans son histoire lancinante. À ses débuts, le critique devenu scénariste/réalisateur coupe efficacement, de sorte qu’aucun geste ou expression n’est gaspillé, et pourtant il a aussi tendance à s’attarder – sur la liste de choses à faire d’un bloc-notes, ou un visage essayant de cacher la réalité derrière un énoncé récent – afin d’évoquer des vérités plus grandes non dites. Porté par un scénario adapté aux rythmes douloureux de la vieillesse (et de la Nouvelle-Angleterre), le film de Jones repose sur les épaules de Diane, une femme faillible dont l’altruisme est teinté de colère et de regrets et qui a vécu dans la performance stellaire de Place.

17. Parasite

Mélangeant le commentaire de classe de Snowpiercer avec la dynamique familiale de The Host, Bong Joon-ho prend un scalpel à l’iniquité avec Parasite, son drame cinglant sur un clan de classe inférieure qui tente de se tirer du sous-sol figuratif et littéral. Profitant de la naïveté de la femme Yeon-kyo (Yeo-jeong Jo) de M. Park (Sun-kyun Lee), le jeune Ki-woo (Woo-sik Choi) s’est retrouvé un emploi dans leur foyer chic comme professeur d’anglais pour leur fille. Des concerts suivront bientôt pour sa sœur Ki-jung (So-dam Park) comme professeur d’art, son père Ki-taek (Kang-ho Song) comme chauffeur, et sa mère Chung-sook (Hye-jin Jang) comme femme de ménage. L’acquisition de ces postes, hélas, nécessite la ruine de leurs prédécesseurs, et leur maintien en place implique des affaires encore plus méchantes – en plus de subir la cruauté mesquine, la condescendance et l’égoïsme de leurs employeurs.

16. Douleur et gloire

« Je déteste l’autofiction », dit la vieille mère du cinéaste Salvador Mallo (Antonio Banderas), un clin d’œil sournois à l’enracinement dans la réalité de l’auteur/réalisateur Pedro Almodóvar, dans son dernier film sombre, mais joyeusement cathartique. Stymied par les problèmes de santé et la dépression, qui ont provoqué l’inertie créatrice, Mallo utilise une projection rétro d’un ancien triomphe pour réparer les barrières avec Alberto (Asier Etxeandia), qui l’initie bientôt à l’héroïne qui soulage les migraines. Ce n’est que le premier d’une série d’autres moyens par lesquels Mallo tente de renouer avec son passé, comme des flashbacks de sa jeunesse aux côtés de sa mère (Penélope Cruz), et une rencontre avec une vieille flamme (Leonardo Sbaraglia), lui permettent également de redécouvrir son amour du cinéma, sa famille et sa personnalité. Bien que ses cheveux grisonnants et ébouriffés rappellent la coiffure d’Almodóvar, la performance de Banderas n’est pas un acte de mimétisme ; rayonnant une angoisse calme et mélancolique, son Mallo est un homme détaché des choses qui ont fait de lui ce qu’il est – une crise qu’il ne résout que dans la dernière composition inoubliable et peintre du film.

15. Le long voyage de la journée dans la nuit
portrait
Kino Lorber
Le réalisateur de Kaili Blues, Bi Gan, termine son deuxième long métrage en une séquence de 56 minutes en une seule prise en 3D, sa caméra traînant à côté (et au-dessus et derrière) de son protagoniste, Luo Hongwu (Huang Jue), dans un paysage de rêve rural qu’il a visité en étant assis dans une salle de cinéma. Le passé, les souvenirs et le cinéma sont inextricablement liés dans Long Day’s Journey Into Night, dont l’histoire – celle du retour de Luo dans sa ville natale de Kaili, où il se souvient d’un vieux camarade et cherche son ancien amour Wan Qiwen (Tang Wei) – se confond aujourd’hui et hier de façon poignante. Des motifs de pièces d’horlogerie cassées, d’eau qui coule, de ciel étoilé, de ciel étoilé, de vol et de feu, les dernières nouvelles de Gan, qui se terminent par des images de plafonniers colorés en rotation et une pièce qui tourne autour d’amoureux heureux. Aussi séduisant que magnifique, son film oblique retrace l’expérience de Luo dans un monde à la fois réel et imaginaire, l’espionnant à travers de nombreux miroirs et filtres de verre jusqu’à ressembler à un fantôme déplacé à la recherche d’un foyer.

14. Il était une fois à…Hollywood

Quentin Tarantino revient au Tinseltown de ses rêves de 1969 avec Il était une fois dans… Hollywood, une rêverie pour ce moment passé où la culture et la contre-culture se sont heurtées. L’inconvénient de cette équation est que Rick Dalton (Leonardo Dicaprio) et son fidèle cascadeur Cliff Booth (Brad Pitt), dont la navigation dans cet environnement en évolution rapide croise l’ascension de Sharon Tate (Margot Robbie) et de son mari Roman Polanski (Rafał Zawierucha), tous deux voisins de Rick, alors que la famille Manson prend bientôt une position destructive à son horizon. Tarantino prodigue son milieu d’époque, ainsi que les films et la télévision de l’époque, avec un amour aux couleurs du néon tacheté de soleil. C’est une célébration conservatrice de l’ancien au moment même où le nouveau a pris le dessus (sans parler d’un désir de fusion des deux), et un air de nostalgie – et le désir de combattre l’obsolescence – imprègne l’action. Dirigé par les superbes virages de DiCaprio et Pitt en tant qu’artistes essayant de rester à flot dans une industrie (et une Amérique) en pleine transformation radicale, c’est un fantasme historique révisionniste trempé de nostalgie, d’extase, de désir et de sang.

13. Apollon 11
portrait
NEON
L’expression « impressionnant » est peut-être trop utilisée dans les cercles critiques, mais elle s’applique sans ambages à Apollo 11 de Todd Douglas Miller, un documentaire qui fait autorité sur le premier voyage des États-Unis sur la Lune. Présenté pour la première fois à l’occasion du 50e anniversaire de cet événement mémorable, il utilise un trésor d’images et d’enregistrements audio de 65 mm récemment découverts pour offrir une vue de près et personnelle des préparatifs du lancement, des hommes et des femmes travaillant dans les coulisses pour assurer sa sécurité, de la foule qui se rassemble pour assister à l’histoire et du vol spatial lui-même, tourné par les caméras qui accompagnent Neil Armstrong, Buzz Aldrin et Michael Collins (parfois pilotés par). Ces images sont d’une ampleur époustouflante et traduisent l’énormité littérale et figurative de tout ce qu’implique l’Apollo 11 – ce qui le rend parfaitement adapté à l’IMAX. Quoi qu’il en soit, sous toutes ses formes, il s’agit d’un effort de conservation d’une énormité palpitante, présentant ce triomphe pionnier comme le sous-produit d’une myriade d’individus, d’une immense ingéniosité et du courage colossal de trois hommes qui ont osé s’aventurer vers les étoiles.

12. Le Souvenir

Young love est un véhicule d’auto-définition dans The Souvenir de Joanna Hogg, le drame de l’arrivée à l’âge adulte finement calibré de l’auteur et réalisateur. Julie (Honor Swinton Byrne), aspirante cinéaste londonienne, tombe amoureuse d’Anthony (Tom Burke), un homme plus âgé et cultivé, qui a l’habitude de faire tous les compliments en son nom propre. Hogg dépeint leur liaison avec peu d’intérêt pour les choses superflues entre les deux, coupant les incidents les plus cruciaux du couple ensemble, et dans le processus, elle trouve un équilibre assuré entre réalisme et impressionnisme. La toxicomanie semi-clandestinienne finit par devenir un facteur de complication pour le duo, mais le véritable cœur de ce film passionnant est Julie elle-même, dont l’état intérieur est rendu vivant par l’approche intime et esthétiquement diversifiée du réalisateur. Awash in talk about movies and moviemaking, Hogg’s feature is elevated by Byrne’s star making turn as a young woman caught between genuine love, her recognition that her relationship is perhaps doomed to fail, and her desire to find her voice – personally and artistically – on its own.

11. Un éléphant assis immobile
portrait
Kim Stim
La tragédie vient du rejet, du ressentiment, de l’aliénation, de la rage et du chagrin dans An Elephant Sitting Still, une épopée intime sur des citoyens chinois qui se considèrent comme impuissants et sans valeur. Le premier long métrage de Hu Bo (décédé peu après la fin de la production) concerne une collection d’individus dont les vies se croisent au cours d’une seule journée : Wei Bu (Peng Yuchang), une lycéenne en colère qui commet accidentellement un crime catastrophique ; Yu Cheng (Zhang Yu), le frère gangster coupable de la victime de Wei Bu ; Huang Ling (Wang Yuwen), un camarade de classe de Wei Bu qui est impliqué avec son vice-doyen ; et Wang Jin (Liu Congxi), grand père contraint par son fils et sa bru à s’installer dans un foyer pour enfants. Hu filme chaque scène prolongée en longues prises de vues ininterrompues, mettant habituellement ses sujets au premier plan dans une mise au point peu profonde tout en mettant en scène l’action clé dans le fond flou. À près de quatre heures, le film donne une impression accablante du désespoir de ses personnages et du malheur qui les attend, qu’ils restent seuls ou qu’ils essaient de s’engager avec les autres – un découragement que seule son empathie peut amplifier.

10. Gloria Bell

Vieillir n’est pas facile pour Gloria Bell (Julianne Moore), l’héroïne célibataire du remake en anglais de Sebastián Lelio de son drame chilien de 2013. Entre le licenciement d’amis, les soucis de la retraite et les enfants adultes qui empruntent leurs propres chemins romantiques troublés, Gloria se fraie un chemin à travers l’âge moyen avec un visage courageux, trouvant un réconfort temporaire sur la piste de danse et, pendant un temps, dans les bras d’Arnold (un magnifique John Turturro), un récent divorcé qui lutte pour se libérer de son ex-femme et de deux filles nécessiteuses. Avec une légère ténacité qui permet des exemples de lyrisme évasif (rien de mieux que des plans récurrents de Gloria tournant au milieu de couleurs tourbillonnantes), Lelio façonne une ode tendre, incisive et déchirante aux multiples complications de l’âge adulte, où les efforts pour avancer sont chargés de regrets, d’emmêlements et de désir de lien. Dirigé par un tour de force de Moore, dont l’œuvre expressive est l’une des plus belles à ce jour, c’est une histoire à petite échelle avec une profonde compréhension de la vie telle qu’elle est réellement vécue et ressentie.

9. Monos

Dans les montagnes d’un pays latino-américain non identifié, une bande d’enfants soldats (avec des noms comme Rambo, Wolf et Boom Boom) s’entraîne physiquement et participe à des rituels d’agressions uniques – comme fouetter un membre pour son anniversaire – en gardant son otage, un médecin américain (Julianne Nicholson). Une fable floue qui se sent prise entre Apocalypse Now et Lord of the Flies, Monos d’Alejandro Landes s’immerge dans son milieu envoûtant à travers des images de figures silhouettées posées sur d’énormes nuages enveloppants, et des séquences d’hostilité, d’amour et de démence. À la suite d’une tragédie impliquant une vache laitière prêtée par un partisan local, les jeunes guerriers s’enfuient avec le médecin de Nicholson dans la forêt luxuriante, où l’unité et la raison commencent lentement à s’effilocher. Avec des bruits électroniques inquiétants et des mélodies orchestrales plaintives, l’envoûtante caractéristique des Landes prend la qualité d’un voyage de drogue, évoquant l’aliénation, le contrôle, le sexe, la peur et la loyauté à travers l’épreuve de ses jeunes protagonistes, hommes et femmes. Dans cette saga sur l’autodestruction de la guerre, les enfants ne vont pas bien.

8. Hagazussa
portrait
Doppelganger Libération
Des cours de pouvoir sombres et démoniaques à travers Hagazussa, une histoire populaire légitimement maléfique d’héritage, de corruption et de damnation. Dans les Alpes autrichiennes vers le 15ème siècle, la jeune Albrun (Celina Peter) s’occupe de sa mère (Claudia Martini), une prétendue sorcière, dans leur cabane en bois rond. Des années plus tard, Albrun (Aleksandra Cwen) s’occupe de sa petite fille dans cette même demeure, dont la seule visite est Swinda (Tanja Petrovsky), une voisine qui, comme le prêtre local, semble soucieuse de sauver l’âme d’Abrun ostracisée. Légère sur les dialogues mais lourde sur le mystère de la magie noire, la fable du scénariste et réalisateur Lukas Feigelfeld jette son charme par le biais d’intrigues lentes et d’images malveillantes, culminant avec une orgie visuelle sous-marine kaléidoscopique de sang, racines, os, vrilles et formes mutantes. Comme la brume qui recouvre les cimes des arbres de la région montagneuse, les suggestions de forces profanes sont partout – à la vue d’Albrun trayant sa chèvre, ou d’un sanctuaire pour un crâne – et elles creusent sous la peau, tout comme le murmure impie et la basse tonitruante que l’on entend sur une bande sonore qui annonce folie, malheur et fin.

7. Le clochard de la plage
portrait
NEON
Matthew McConaughey est le roi du bongo-drumming laissez-faire cool, et dans The Beach Bum, il assume le rôle pour lequel il est né. Il s’agit de Moondog, un « mangeur de fond » du sud de la Floride qui, après avoir mis de côté sa brillante carrière de poète, se contente aujourd’hui de sillonner les nombreux établissements de sa ville côtière à la recherche de sa prochaine boisson, d’une boisson et de sa belle femme au lit. La saga hirsute du scénariste-réalisateur Harmony Korine suit Moondog d’une aventure absurde à l’autre (avec, entre autres, Snoop Dogg, Isla Fisher, Zac Efron, Martin Lawrence et Jonah Hill), canalisant son don pour prendre la vie comme elle vient, et sa capacité à tirer un plaisir sensualiste de chaque nouvelle rencontre. Avec de longs cheveux et une banane fixée en permanence autour de la taille, McConaughey est un hédoniste de la stoner magistral, et si ses escapades ne suffisent pas à délivrer un contact puissant, Korine et le cinéaste Benoît Debie dressent un portrait coloré du milieu chic et downtrodden de la Floride plus que le tour délirant de la scène.

6. Point culminant
portrait
A24
Le cinéma de Gaspar Noé trace régulièrement la ligne de l’harmonie au chaos, et c’est encore une fois vrai dans Climax, l’histoire inspirée par des événements réels d’une soirée de danse qui descend dans une folie infernale. Commençant, et c’est tout à fait prodigieux, par des interviews diffusées sur un poste de télévision entouré des films d’horreur VHS préférés du réalisateur, le dernier film de l’auteur français est sans doute le moins provocateur qu’il ait jamais vu jusqu’à présent. Quoi qu’il en soit, il s’agit toujours d’une escalade d’effervescence marquée à l’électronica et peuplée d’un tas de monstres potentiels. Même pendant la période plus sereine du début, les numéros chorégraphiés de ses personnages font preuve d’une intensité effrayante, et une fois que ces artistes ont bu involontairement du LSD, leur équilibre émotionnel et leurs relations interpersonnelles deviennent terrifiantes et hors de contrôle. Souvent exécuté en longues prises individuelles, le travail de caméra tourbillonnant, flottant et glissant de Noé est aussi adroit que ses sujets physiquement agiles. Le résultat est une pièce de performance esthétique qui ressemble à l’extravagance psychosexuelle de la danse des enfers que Suspiria de Luca Guadagnino voulait être, avec une finale qui s’installe dans un neuvième cercle hallucinatoire de l’enfer.

5. Sous le lac Silver
portrait
A24
Il y a des codes dans des codes dans des codes dans Under the Silver Lake, le néo-noir délirant et shambolique de David Robert Mitchell sur Sam (Andrew Garfield, jamais mieux) qui traverse un paysage de Lynch-ian Los Angeles à la recherche d’une mystérieuse beauté disparue (Riley Keough). Canalisant également l’esprit de Robert Altman, Brian De Palma, Alfred Hitchcock et des classiques de l’âge d’or hollywoodiens (sur une partition de Henry Mancini), l’odyssée cinématographique de Sam est une quête de sens dans un monde pop-culture surchargé. Les films et les mythes s’entrechoquent, à la fois joyeusement et dans le deuil, alors que Sam s’efforce de découvrir les liens de la théorie de la conspiration entre tout et chacun. De Super Mario Bros. aux cultistes du nouvel âge, en passant par les pirates et les tombes abritant des bombes, les modèles pornographiques masturbatoires, les tueurs de chiens, les bandes dessinées (Spider-Man, clin d’œil) et les paroles de chansons griffonnées sur les boîtes à pizza, les chiffres secrets régissant le monde sont partout. Mitchell les révèle à travers une aventure pleine d’esprit, d’esthétique et de dextérité, mêlée d’une sombre désillusion sur les pouvoirs des marionnettistes et leurs machinations cachées. Reconfigurant le cœur fataliste du noir pour notre condition moderne enchevêtrée, c’est un portrait de la nouvelle morosité surréaliste, avec tout ce qui fait partie d’un tout plus grand qui n’offre ni substance ni réconfort – ne laissant que ce désir éternel de vérité et d’unité.

4. Transit
portrait
Films sur la boîte à musique
Dans une Europe qui ressemble à la fois à celle d’aujourd’hui et à celle de 1940, l’expatrié allemand Georg (Franz Rogowski) tente d’échapper à Paris avant l’arrivée des fascistes nazis envahissants. Arrivé à Marseille, il se lie d’amitié avec le fils africain (Lilien Batman) et l’épouse (Maryam Zaree) d’un ancien camarade. Par circonstance, il prend aussi l’apparence du célèbre écrivain Weidel, dont il acquiert les biens et dont les documents lui permettent de se rendre au Mexique l’attendent à l’ambassade de la ville portuaire. Il en va de même pour la femme de Weidel, Marie (Paula Beer), qui confond Georg avec son mari à plusieurs reprises et qui aspire à des retrouvailles alors même qu’elle poursuit une liaison avec un homme (Godehard Giese) dont l’amour obsessionnel l’empêche de partir. Les frontières à franchir et les obstacles au passage sont omniprésents dans Transit, qui, comme tant d’autres œuvres de l’écrivain/réalisateur Christian Petzold, est une rêverie romantique sur l’identité, le regret, le trauma et la renaissance. De plus, c’est un autre de ses chefs-d’œuvre de confronter les questions de conscience personnelle et nationale à travers un filtre cinématographique distinct, avec Casablanca et Le Passager qui prouvent deux de ses nombreuses pierres de touche spirituelles. Ses personnages liés par des liens spectraux qu’ils peuvent ressentir si ce n’est pas tout à fait identifier (ou contrôler), c’est une histoire de fantômes envoûtante et mystérieuse qui est à la fois intemporelle et, malheureusement, de notre moment particulier.

3. L’Irlandais

En le réunissant avec ses stars préférées (ainsi qu’Al Pacino), et en atteignant un temps record de 209 minutes, The Irishman sert de déclaration finale de Martin Scorsese sur le genre gangster qu’il a contribué à élever à la grandeur avec Goodfellas des années 1990 et Casino de 1995. À l’aide d’un CGI révolutionnaire (et en grande partie efficace) pour rajeunir sa distribution de plusieurs décennies, l’adaptation par le réalisateur du livre I Heard You Paint Houses de Charles Brandt raconte la vie criminelle de Frank Sheeran (Robert De Niro), exécuteur du mafioso Russell Bufalino (Joe Pesci) et proche compatriote du grand Jimmy Hoffa (Pacino) des Teamsters, dont il a été le plus souvent le héros en 1975, qui, d’après ce que l’on raconte, a vu dans le passé, fut le cas du célèbre homme du roman documentaire  » Ye heard you paint house « , de l’homme de lettres  » Ie », de l’homme de fiction. Le film de Scorsese, qui s’étend sur une longue période et qui retrace les recoupements entre la mafia et la politique intérieure (y compris l’élection et l’assassinat de JFK), est aussi un drame à répétition sur le passage du temps et l’impact – ou le manque effrayant – que le regret, la trahison et l’immoralité ont sur l’âme des gens. Dirigé par bravoure se détourne de ses pistes (Pesci calme et menaçant ; De Niro stoïque et vide ; Pacino fougueux et charismatique), c’est une épopée sur la corruption américaine et le déshonneur du monde souterrain.

2. Histoire de mariage

Le divorce est un cataclysme qui détruit le passé, le présent et l’avenir – et oblige à reconfigurer son propre sens de soi – et l’histoire du mariage de Noah Baumbach capture ce bouleversement avec une authenticité et une perspicacité ahurissantes. La séparation du metteur en scène de théâtre de Brooklyn Charlie (Adam Driver) et de l’actrice Nicole (Scarlett Johansson) commence avec des intentions amicales mais se transforme rapidement en une guerre juridique coûteuse et traumatisante qui est menée par des avocats égocentriques (Laura Dern, Ray Liotta), et laisse le jeune fils du couple, Henry (Azhy Robertson), au beau milieu du combat (et, à un certain point, au pied levant, au propre). Leurs centres de combat pour la garde des enfants sur la côte de laquelle leur enfant se sentira chez lui, et les écrits et les images de Baumbach – pleins de gros plans de douleur et de fureur, de compositions éloignées qui séparent et isolent ses protagonistes à la dérive – montrent comment cette bataille déforme inévitablement ce qui était autrefois bon, ne laissant dans son sillage que ressentiment et ruines et rancoeur. Aucun film sur le sujet n’a jamais été aussi vivace, et une grande partie du mérite de ce triomphe revient à Driver et Johansson, dont les superlatifs duels – blessés et justes, abandonnés et furieux, et marqués par des numéros musicaux respectifs – sont aussi subtils qu’ils sont d’une réalité saisissante.

1. Le Phare

L’attrait de la lumière entraîne deux hommes dans une folie noire dans Le Phare de Robert Eggers, une œuvre de folie d’époque qui remplit plus que la promesse de ses débuts en 2015, La Sorcière. Sur un rocher de la Nouvelle-Angleterre enveloppé d’une brume de vagues et bombardé de pluies torrentielles, les gardiens de phare du XIXe siècle Thomas Wake (Willem Dafoe) et Ephraim Winslow (Robert Pattinson) assument leurs fonctions, le premier assurant l’éclairage et le second le chauffage au charbon et le domicile. Leur labeur laborieux est d’abord aggravé par des tensions interpersonnelles au sujet de la possessivité de Wake à l’égard du phare lui-même, puis par des affrontements avec des mouettes hurlantes (des vases pour les esprits des marins morts, dit Wake) et des visions de tentacules gluantes et de sirènes accueillantes. Tourné en noir et blanc 4:3 à grains lumineux qui donne à l’action l’aspect d’une vieille photographie vieillie par les intempéries, marqué par des beuglements et des cris de sirènes impurs, et conduit par des dialogues ornés d’un livre d’histoires en forme de cauchemar marin, c’est un film de culpabilité, honte et cupidité (et la psychose qu’il engendre) qui dégage une malveillance à l’étroit, soggy. La malédiction de Dafoe envers les dieux des Maritimes est un homme tout le temps, et un superbe Pattinson est à la hauteur de sa folie aux yeux fous et bourrés pour un pas qui fait craquer les planches du plancher. Eggers finit par noyer son matériel dans une imagerie sexualisée et glissante d’une sorte de folie, et termine les choses d’une manière qui est d’autant plus obsédante qu’elle est restée oblique de façon inoubliable.

Archives de catégorie: %s

laissez un commentaire

prénom *
Ajouter un nom d'affichage
Email *
Votre adresse email ne sera pas publiée
Site Internet